THEPOSTROCK

A Swarm Of The Sun ist ein schwedisches Duo, das sich aus den beiden Musikern Erik Nilsson und Jakob Berglund zusammensetzt. Der Sound der Band bewegt sich zwischen Indie-, Alternativ- und Postrock und entwickelt dank einer stetig gehaltenen Spannung in den einzelnen Songs eine ganz eigene Dynamik. Das Duo hat 2007 sein Debüt in Form der “The King Of Everything” EP veröffentlicht und seit nunmehr zwei Jahren am ersten Album gearbeitet. Ab 30. August steht “Zenith”, das erste Full Length Album, in den Plattenläden. Darauf vereinen A Swarm Of The Sun zehn Songs, die meist ruhig und einfühlsam, mit gelegentlichen druckvollen Ausbrüchen, die Aufmerksamkeit des Hörers sofort auf sich ziehen.

“Zenith” haben A Swarm Of The Sun im Version Studio aufgenommen, das Erik Nilsson als Aufnahmestudio und Plattenlabel betreibt und über das er dieses Jahr bereits das Debütalbum seiner anderen Band Kausal veröffentlicht hat. Nilsson hat das Album aufgenommen und abgemischt, für das Mastering hat Pelle Henricsson, bekannt für seine Arbeiten mit Cult Of Luna und Refused, letzte Hand angelegt. Das Artwork stammt von Bandkollegen Jakob Berglund, der mit Furnace Fighter Media eine eigene Gestaltungsfirma betreibt. Bei den Aufnahmen zum Album wurden die beiden Stockholmer unter anderem von Anders Carlström und Karl Daniel Lidén unterstützt, die bereits an Kausals “In Dead Cities” beteiligt waren.

Auf der Bandseite könnt ihr euch die ersten beiden Songs von “Zenith” kostenlos runterladen. Hoffen wir, dass die Band mit ihrem Album ihren musikalischen Zenit noch nicht erreicht hat und die Musikwelt auch in Zukunft mit weiteren Veröffentlichungen bereichern wird.

Scott “Wino” Weinrich wird im September sein zweites Soloalbum veröffentlichen. Wie wir im Mai bereits berichteten, hat er mit “Adrift”, dem Nachfolger des 2009er Solo-Debütalbums “Punctuated Equilibrium”, gänzlich neue Wege beschritten. Auf “Adrift” lebt Wino seine Vorlieben für amerikanischen Singer/Songwriter Stoff aus, wobei “ausleben” im wörtlichen Sinne zu verstehen ist – “Adrift” ist seine mit Abstand bisher persönlichste und intensivste Platte.

Dominiert werden die naturgemäß sehr reduzierten Songs von Wino’s akustischer Gitarre, die den Rhythmus und die sehr eingängigen Melodien vorgibt, wogegen sich die elektrisch Verzerrte im Hintergrund hält und sich nur für gelegentliche bluesgeschwängerte Soli in den Vordergrund drängt. Über all dem thront Wino’s unverkennbar markante, rauhe Stimme, die uns persönliche, emotionale Geschichten im Stile seiner großen Vorbilder Woody Guthrie, Hank Williams und Townes Van Zandt erzählt.

Die Songs bieten die gesamte Bandbreite von ruhigen balladesken Tönen – exemplarisch sei hier das gefühlvolle, rein instrumentale “Suzanes Song” angeführt – bis zu rockigeren Uptempo Nummern wie dem abschließenden “Green Speed”. Auch die beiden Coversongs, “Iron Horse/Born To Lose” (Motörhead) und “Shot In The Head” (Savoy Brown), interpretiert Wino auf seine ganz eigene Art und fügt sie so harmonisch ins Gesamtbild ein, dass man nicht das Gefühl hat, es mit Fremdkompositionen zu tun zu haben. Als Wino Fan muss man hoffen, dass “Adrift” kein einmaliges Experiment bleibt und der  Godfather of Doom and Stoner seine Diskografie auch zukünftig mit akustischen Werken dieser Art bereichert.

“Adrift” wird am 24. September über Exile On Mainstream Records im CD und LP Format erscheinen. Die Vinyl Version ist weltweit auf 700 Stück limitiert und die ersten 1.000 CDs werden in handgefertigten hölzernen Zigarrenschachteln ausgeliefert. Als kleinen Appetizer, könnt ihr euch hier vorab den Song “Hold On Love” im Stream anhören.

Wenn ihr euch von Wino’s Ausflug in akustische Gefilde auch live ein Bild machen möchtet, findet ihr seine aktuellen Tourdaten in unserer ONTHEROAD Rubrik. Wer das Konzert zudem in einer aussergewöhnlichen und beeindruckenden Kulisse erleben möchte, sollte sich am 16. September auf den Weg nach Iserlohn in die dortige Dechenhöhle begeben. Wie schon sein Shrinebuilder Bandkollege Scott Kelly und dessen Bruder im Geiste Steve von Till, wird auch Wino die Tropfsteinhöhle mit ihrer ganz besonderen Akustik mit seinem Sound ausfüllen und seinen Fans einen hoffentlich unvergesslichen Abend bereiten.

Es gibt Konzertabende, die von Anfang an einen ganz besonderen Charme versprühen. Dienstag war so ein Abend. Im Rahmen des 16. International Symposium on Electronic Art sind die Isländerin Hildur Guðnadóttir und der Japaner Keiichiro Shibuyas zusammen aufgetreten. Vor dem Konzert standen wir im Foyer und haben uns die verschiedenen Leute angeschaut, die zu diesem Konzertabend erschienen waren. Da waren zum einen die nerdigen Festivalbesucher, mit Badge und Laptop bewaffnet, dann die etwas älteren Leute, die sich wohl keine einzige Veranstaltung im Konzerthaus entgehen lassen, und jede Menge Besucher, die wie alternative Rocker aussahen. Interessante Mischung.

Nachdem der Gong uns in den Konzertsaal bittet, gibt es erstmal einige einführende englische Worte von Stefan, dem ISEA Mitarbeiter, der die beiden Musiker und das Abendprogramm vorstellt.

Hildur Guðnadóttir beginnt den Abend mit einem improvisierten Stück, das sie auf dem Halldorophon spielt, ein Instrument das nach seinem Erfinder Halldór Úlfarsson (auch anwesend) benannt ist. Das Instrument ist eine Art Cello mit integrierter Feedbacktechnologie. Hildur spielt das Halldorophon nur mit den Fingern und erzeugt dabei verschiedene Feedbacktöne durch halten der Saiten. Für das restliche Soloset wechselt Hildur dann zu ihrem klassischen Cello, hinter dem sie sich sichtlich wohler fühlt. Auch hier bleibt aber die Technik nicht aus, denn Hildur Guðnadóttir loopt mit Hilfe eines Laptops bestimmte gespielte Melodien und erweitert somit den Livesound ihres Cellos. Neben Songs ihrer beiden Alben spielt und singt sie auch eine 700 Jahre alte Hymne, die der Legende nach ein sterbender Wikinger auf dem Schlachtfeld geschrieben hat.

Nach einer kleinen Pause spielt Keiichiro Shibuyas ein sehr experimentelles und jazziges Set am Flügel. Dabei werden die Flügeltöne durch den Rechner gejagt und in verschiedenster Weise im Hintergrund wiedergegeben, gepaart mit elektronischen Sounds ergibt es ein teilweise sehr verstörendes Gesamtbild. Aber das ist ja eine Frage des Gustos.

Anschließend spielen die beiden Musiker einen gemeinsamen Konzertabschluss. Abwechselnd tragen beide von Hildur Guðnadóttir und  Keiichiro Shibuyas geschriebene Songs vor. Hildur wechselt zum Schluß wieder an das Halldorophon und spielt es diesmal mit dem Cellobogen. Nachdem sich die beiden in feinster Klassikkonzertmanier vor dem Publikum verbeugen, gehen sie von der Bühne und hinterlassen die Erinnerung an einen eher ungewöhnlichen Abend, sowohl für uns Rocker, als auch für den gewöhnlichen Konzerthausbesucher.

Weitere Bilder vom Konzert findet ihr auf unserer PHOTOS Seite.

Her Name Is Calla veröffentlichen im Oktober ihr erstes richtiges Full Length Album “The Quiet Lamb” über Denovali Records. Mit ihrer Mischung aus Alternative, Folk und experimentellem Rock haben sich die englischen Musiker in weit über sechs Jahren Bandbestehen einen festen Platz in der englischen Indieszene erspielt. Neben zahlreichen Liveauftritten in Europa hat die Band mehrere EPs und Singles veröffentlicht, unter anderem das Minialbum “The Heritage”, das zuerst bei Gizeh Records erschien und später von Denovali Records wiederveröffentlicht wurde.

Die Preorder zum neuen Her Name Is Calla Album “The Quiet Lamb” startet am 29. August.  Passender Anlass für uns, Sänger Tom Morris einige Fragen zur neuen Platte und einigen weiteren Themen zu stellen:

Your first real full length album „The Quiet Lamb“ is ready to be released. What took you so long?
Heh, I’m not sure really. We had a few set backs along the way. We had all sorts of problems: relocations, breakdowns, money problems, drink problems, label problems. All sorts of shit. Eventually we found ourselves in the good hands of Denovali and at a point in our lives where we thought we were ready to make the album that we’d dreamed about for so long. I think in general, we probably recorded parts of The Quiet Lamb about four or five times, but would scrap it and start over. All in all, I think it was about a year to record and mix. We record everything at our homes and do it all ourselves. We can’t afford studios or to pay people to record or mix for us.

We all have different opinions in the band as to whether this is actually our first album. Some members think that The Heritage is an album. It’s a weird subject for us.

The record sounds like you locked yourself in a homely room and started rehearsing your songs together, while you recorded everything. The sound has a very private atmosphere. Tell us something about the recording sessions.
The songs are certainly very private. I write the lyrics and most of the basic song structures before we flesh them out fully as a band. We’d normally record the bass, drums and guitar live at someone’s house, normally Adams. Then we’d all go away and separately record our vocals/violins/trombones etc. There were a few times we’d come together again to do communal vocal parts and things, but mostly we recorded separately at our homes. We use Dropbox, so everyone would put their parts in there so I could access them easily and add to the mixes. Some of the songs such as The Union had been around for two years. It was only now that we felt it was ready to record and release.

The epic Song “Condor and River” accompanies your musical career from the beginning. It is the center piece of the new album and was released twice before. The new version sounds more aggressive, with much more intimate vocals. What is the reason for your constant connection with this song?
Well, it wasn’t really at the start of our career. That was just the first main release that people picked up on. We’d been together about three years before we released that. Then it appeared on a minor release that was a vinyl only split with our friends Maybeshewill. This is the first major release that it’s had really. It was always planned to be on this album, but we didn’t realise that there would be such a big gap between The Heritage and The Quiet Lamb.
The original recording was very rushed; we’d only just written it when we recorded it. So we weren’t totally sure on how to play it. It was great to finally rerecord it as we were fed up of hearing the original that was full of mistakes and terrible vocals! Plus, we now had the experience of playing it all these years and managed to hone it to a certain quality that we felt was agreeable with us. I feel that the arrangement and the performance is stronger, as well as the recording quality. It was definitely an important song for us to get right.

There are also new versions of “Pour More Oil” and “A Blood Promise” on “The Quiet Lamb”. We saw you playing them live and we were hoping that you would put them on the album. Did you plan to release them on the album or was it a coincidental progress?
Both those songs were always meant to be on the album as well. Pour More Oil is a song that we really enjoy to play live and was one of the first songs that we finished during the mixing process. It now seems to be one of the songs that people really respond well to at shows, which is great. It’s nice to able to move onto newer material.

The album ends with the three parted “The Union” which moves from an alternative song to an instrumental noise monster until it happens to end up as a drifty trumpet leaded rock song, that could easily be on a Robert Rodriguez movie soundtrack. Must have been an amusing recording session with many merged ideas?
Yeah, on paper it sounds as a random mish mash of ideas, but it actually had a lot of thought put into it. We’d played around with the suite of songs for around two years and the Mexicana part was always supposed to be the final part of the album. We’d talked about closing the album that way for some time and wanted the album to show some clear steps forward from our previous record. It definitely puts a smile on our faces playing The Union, though it’s really quite hard to play. Into the West is actually the hardest to play musically. The drums are pounding non- stop and the bass riff is so difficult! But it is very rewarding for us to play the whole thing; very enjoyable.

It seems that everyone of you is doing backing vocals live and on your releases. How did this develop, did everyone sing by choice or were there some of you cautious?
No, I don’t think anyone had a problem with it really. No one in the band is particularly shy and there’s certainly nothing any of us could do in front of each other to be embarrassed by. We’ve seen each other at our worst moments.
We’ve always had a lot of harmonies in our songs and it’s good to add an extra dimension live. It’s important in Calla to be as versatile as possible. We all want to progress as musicians. We’re always willing to try something new and different to expand our sound.

What about the album artwork? On the first look it seems to be a positive motive with bright colours and a figure and a white lamb, but there are also these little black crosses and the ripped out face. Who designed it and what is the connection with the record?
A friend of Adam’s designed the front cover. She’s called Hannah McCague and she also did the artwork for Moss Giant. We used both pieces as the artwork for our tour t-shirts as well. We were really pleased with the work that she did; it looks really unique. We actually had a different artist for every song on the album. Stephen Clark, who was the artist for The Heritage and Long Grass also appears. There were submissions by fans of the band also as well as Tinhead who did the artwork for the first Foals album. It was great to have lots of different interpretations of the songs.

What are your expectations for your first performance at the Denovali Swingfest?
It will be great to hang out with Timo and Thomas our label bosses again. They’re really fun guys and great supporters of our music. Also it will be nice to see Heirs again, we had a good time with those guys last time we played together. They’re a really great band. It will also be great to hang out with some of the other Denovali bands. There’s a lot of quality across the label.

Will you come to Germany again this year to play some club shows to support the new album?
I don’t think we’ll come this year unfortunately; unless someone invites us to play something particularly great. After Swingfest I don’t think we’ll play any more shows in Europe until next year. We’ll see.

Einen Beweis für die derzeitige musikalische Kreativität junger griechischer Bands, die trotz Wirtschaftskrise an ihrer Musik weiterarbeiten, erbringt das instrumentale Stoner-Space-Rock-Trio Tuber. Die Band stammt ursprünglich aus Kreta, die Bandmitglieder leben aber mittlerweile auf dem Festland in der nordöstlich gelegenen 55.000 Einwohner Stadt Serres. Der Sound der Band zeichnet sich durch eine treibende Mischung aus Psychedelic-, Stoner- und Space-Rock aus und gibt den vier Songs ihrer Debüt-EP eine unverkennbar groovende Note. Abgesehen von den (hoffentlich) ironischen Songtiteln ein gelungener Einstand.

Tuber haben ihre selbstbetitelte EP im Parallel Universe Studio in Serres aufgenommen und bieten sie auf ihrer Bandcamp Seite zum kostenlosen Download an. Hört mal rein.

Gifts From Enola sind eine vierköpfige Post-Rock Band aus Harrisonburg in Virginia. Letztes Jahr hat die Band ihr zweites Album “From Fathoms” über das kleine amerikanische Label Mylene Sheath veröffentlicht. Das Album zeichnet sich durch seine meist instrumentalen Songs aus, die gut durchdacht mit minimalem Elektronikeinsatz und treibenden Gitarrensounds beim Hörer für ständige Spannung sorgen. Zuvor hat die Band 2008 eine Split mit den Instrumentalrockern von You.May.Die.In.The.Desert veröffentlicht und 2006 ihr Debüt “Loyal Eyes Betrayed the Mind” selbst herausgebracht.

Überraschenderweise hat die Band diesen Sommer ihr drittes selbstbetiteltes Album veröffentlicht. Knapp ein Jahr nach der letzten Veröffentlichung, legen Gifts From Enola ein rotziges, rifforientiertes Rockalbum nach. Das Album hat die Band selbst produziert und aus Studioaufnahmen und privaten Mitschnitten von Bandmitgründer Nathaniel Dominy zusammengestellt. Die fünf Songs rocken in bester Old-School-Manier und der vereinzelt auftretende ruhige Gesang gibt dem Album eine kleine Indierock-Note. So steht das dritte Album ganz im Gegensatz zum durchstrukturierten Vorgänger “From Fathoms”, jedoch tragen beide Releases die eindeutige Handschrift des Quartets und sind ein Muss für jeden Post-Rock-Freund.

Das neue Album ist genau wie “From Fathoms” bei Mylene Sheath auf CD und LP erschienen, wo ihr auch die Reissue des Debütalbums erhalten könnt.

Das Album könnt ihr übrigens hier komplett im Stream anhören.

Für ihr Comeback-Best-Of-Album “Telephantasm”, das Ende September erscheint, haben Soundgarden nicht nur tief in die Schubladen ihrer Diskografie gegriffen, sondern sich auch tiefergehend mit der Gestaltung des Boxsets beschäftigt. Die Kultband aus Seattle hat niemanden geringeres als Josh Graham, sechster Mann bei Neurosis und Frontmann von A Storm Of Light, für die Gestaltung des Artworks verpflichten können. Josh Grahams neuere Plattenartworks zeichnen sich durch modern umgesetzte Collagen verschiedenster Motive aus, die meist zu apokalyptischen Szenarien zusammengesetzt werden. Grahams bekannteste Arbeiten sind die Plattencover für Alben von Neurosis wie “Given To The Rising” oder “The Eye Of Every Storm”. Für Neurosis sitzt Graham auch im Hintergrund und visualisiert die Konzerte der Band mit Videos. Weitere Bands und Musiker für die Josh Graham gearbeitet hat sind unter anderen Steve Von Tills Harvestman, Red Sparowes, Battle Of Mice und Shrinebuilder.

“Telephantasm” ist zwar nur eine Best-Of Platte von Soundgarden, doch ein Kauf lohnt sich nicht nur wegen des aufwendigen Artworks. Wer mehr als nur in die Single-CD-Version investiert, bekommt ein Boxset mit 2 CDs, auf denen alle Singles der Band sowie der bisher unveröffentlichte Song “Black Rain” enthalten sind. Der Badmotorfinger Song “Room A Thousand Years Wide” ist in der 7inch Version und “Blow Up The Upside World” in der Live Version von der MTV Live ´N` Loud Session erstmalig auf CD verewigt. Zusätzlich zu den beiden CDs liegt noch eine DVD bei, auf der alle Videos samt Alternativ-Versionen zusammengestellt sind. Also werft eure alten MTV Mitschnitte auf VHS weg und kauft euch “Telephantasm”.

Der bisher unveröffentlichte Track “Black Rain”, der von der Badmotorfinger Session stammt, steht auf der Bandseite zum anhören bereit und ist auch bei den gängigen Downloadanbietern käuflich zu erwerben.

In Zusammenarbeit mit der Christuskirche Bochum und Denovali Records freuen wir uns euch einen besonderen Abend präsentieren zu dürfen: Aidan Baker, Noveller und unFact treten am 15. November in der Christuskirche Bochum auf und füllen den Kirchenraum für einen Abend mit ihren atmosphärischen Gitarren- und Bass-Soundlandschaften aus.

Aidan Baker ist eine Hälfte des Drone-Doom-Duos Nadja aus Kanada und hat Solo mehrere Alben veröffentlicht, die mal experimenteller, mal zugänglicher sind und sich zwischen Ambient und Drone bewegen aber auch Singer-Songwriter Qualitäten aufweisen. Hauptinstrument ist Aidans Gitarre, der er die verschiedensten Sounds entlockt. Ob mit Kontrabassbogen gespielt oder durch diverse elektronische Effekte verfremdet klingt seine Gitarre vor allem live wie eine mehrköpfige Band.

Noveller ist die Musikerin und Künstlerin Sarah Lipstate aus Brooklyn. Unter dem Namen Noveller hat sie zwei Alben und mehrere EPs sowie eine Split mit Aidan Baker veröffentlicht. Auch sie entlockt die Sounds auf ihren Platten hauptsächlich ihrer Gitarre. Anfangs noch sehr noisig hat sich der Sound Novellers auf dem aktuelllen Album “Desert Fires” in eine strukturiertere melodische Richtung mit dezent verspielten Momenten entwickelt.

David Wm. Sims ist der Bassist der Kultband The Jesus Lizard und unter dem Pseudonym unFact neuerdings auch Solo unterwegs. Mit “Dead Wasp” hat unFact diese Woche seine erste Single veröffentlicht auf der er zwei Songs präsentiert, die er auf seinen beiden Bässen geschrieben hat. Gepaart mit Effekten erzeugen die Bässe melodische und kraftvolle Sounds, die nicht immer als Bassklänge erkennbar sind und das Hörerlebnis umso überraschender machen.

Die Christuskirche Bochum ist eine evangelische Kirche, die 1879 eingeweiht und im zweiten Weltkrieg schwer beschädigt wurde. Der Kirchenturm im frühgotischen Stil blieb erhalten, das Kirchenschiff wurde nach der Zerstörung 1959 im zeitgenössischen Baustil neu errichtet. Bei Architekten und Kunstkritikern gilt die Kirche seither als einer der 100 bedeutensten Sakralbauten Europas.

Also wenn diese Kombination aus Musik und Architektur nicht der perfekte Ausklang für einen kalten Montagabend im November ist…

Einlass: 19:30 Uhr
Beginn: 20:00 Uhr
Tickets: online über NRW-Ticket

Als die Heirs aus Melbourne letztes Jahr ihr Debütalbum "Alchera" über Denovali Records und Exo Records veröffentlicht hatten, war das Staunen bei den Musikkritikern groß. Eine dreiviertel Stunde lang, auf sechs Titel verteilt, zelebrierten die vier Australier ihren instrumentalen Sound, der sich beeindruckend schwerfällig und eindringlich zugleich zwischen verschiedenen Stilen wie Doom, Alternative, Industrial oder auch Postrock bewegt. Alles fing mit einem Demo an, das Bandgründer Damian Coward 2007 unter dem Namen Heirs aufnahm. Ein Jahr später wuchs die Band um die beiden Gitarristen Brent Stegemann und Ian Jackson und Bassistin Laura Bradfield an.

Ein knappes Jahr nach Veröffentlichung des Debüts steht der Nachfolger "Fowl" in den Startlöchern. Anlass genug uns mit Gitarristen Brent Stegemann über die Aufnahmen am neuen Album und weiteren Themen zu unterhalten.

Tell us a little bit about the recording sessions regarding your upcoming release "Fowl". Are you comfortable with the progress?
We deliberately took a completely different approach to the writing and recording process of Fowl. Every song was composed entirely electronically. We then transposed all the songs to guitar/bass/drums, and worked out how to create a hybrid between the electronic sound and the band sound, getting a feel for what worked in a live setting and what didn’t come across quite as strongly. We definitely pushed the limits of what we were capable of as musicians and songwriters as far as we could, and for that I think the album is a success. We wanted to move the band in a more industrial direction, creating something rhythmically uglier and more threatening, but retaining the same melodic undertow that characterised our earlier stuff. I’d been listening to a lot of 80′s industrial and electronica, stuff like Controlled Bleeding, Coil, Neubauten etc. and it had a big influence on how I composed the songs. Once we had the songs sounding good in the rehearsal room, we went to Head Gap, where we recorded our first album, and layed down the basic drums and bass. We took those sessions and grafted the electronics onto them, then returned to Head Gap to record the guitar tracks. We added the rest of the instrumentation and finally mixed at Head Gap. Playing the new material live, we feel really good about what we’ve created and we’re really looking forward to bringing it to Europe.

According to an older MySpace news it was planned to be a one track release accompanied by a remix. Now it seems to be grown to a 7 track full length album. How does this growth happen?
We recorded a 25 minute version of album’s title track before we started working on the full album. My good friend Nekrasov remixed the song for the B-Side. We had planned to release it as a 12" before the album came out but time got away from us. It’s still likely that it will see the light of day, but while we focus on getting the album out… it’s on the backburner for now.

Did you experience unusual things during the recording sessions that perhaps even found their way on the record?
We structured this whole recording down to a point where we knew exactly what we had to do at a given moment, but this is not to say that we didn’t "experiment" with a lot of stuff whilst we were there. "Men", a track off our new album, is a good example of this. We ended up doing a ton of tracks over this song, but eventually realised its power without so many layers, so if anything, this album was about stripping the excess layers and finding the right combination of sound which would let the music breathe a bit better, and have the most audial impact.

What about the artwork, its kind of eerie and sculptural like the "Alchera" cover, but it is clearly turning into another direction. Can you tell us something about this strange yellow-black-man-fowl? Who is the artist behind it?
As an artist, I see Heirs as much visually as I do musically. As I worked on the music for the album, a central theme materialised and this is what I ‘saw’. I created the set, made the costumes, directed the shoot and did the accompanying artwork. The figure is a depiction of the human processing of the ornery – the filth we feed upon to entertain us, to sate our hunger, to gratify our sexual desires, to escape our reality or simply to facilitate our survival. Fowl is an exploration of the consumption of filth, the nourishment it provides and the way we excrete it back into the world. It’s a comment on the notion of morality and it’s place in an increasingly faithless population.

Did you expect that the former one-man-project, as which heirs started in 2006, would expand to a four piece band that will have two releases out in 2010?
I’ve played music with Damian on and off for nearly a decade now, so it’s not surprising to me that we find ourselves at this point in our respective ‘careers’ working together on something like Heirs. He’s been the main motivating factor behind everything I have achieved musically and artistically, so when he proposed that I become involved with Heirs… it was just a natural progression of our musical relationship up until that point. We struck out everything that was holding us back in our previous projects, allowing each other to work independantly and helping each other realize our ideas in a group setting. Ian and Laura are a perfect foil for this dynamic. Ian’s style of playing is a complete contrast to my own and he adds a melodic depth that I don’t always hear on a songs inception. Laura is by far the best bassist I have ever played with… the way she locks in to the drums is integral to the foundation of what we do.

You’re living far away from Germany, can you tell us something about the instrumental music-scene in Australia? How do you appraise the scene? Are there any bands you like, which aren´t so common in the rest of the world?
There is no instrumental scene in Australia that resembles what you have in Europe, which to an extent, is a good thing. It breeds a certain kind of diversity and independance, with everybody forging their own path, with their own sound. There are a few scattered ‘instrumental’ bands, mainly from Melbourne (our home town) with which we feel certain kinship. There’s The Night Terrors, who we toured with in Europe last year. I can’t think of any band that sounds anything like them.. they describe their sound as "suffocation in deep space". I think it’s an apt description. We have been performing with Miles, their Theremin player, who contributed heavily to Fowl (Theremin/Electronics). They’ll be touring Europe again in September/October with their album ‘Back to Zero’ being released by Trendkill over there next month. In the broader ‘experimental’ sense, from Melbourne, our favourite bands are Zond, HTRK (currently based in London), True Radical Miracle, New War and Nekrasov.

It is your first time at the Denovali Swingfest. What are your expectations?
We’re really looking forward to seeing Timo & Thomas (Denovali) again. Their dedication to their bands and the support they have shown us is something we are enternally gratetful for and we’re pleased we can make  it over for Swingfest this year. We expect to be humbled by the quality of the other acts on the festival, and we predict Kodiak to lose a drinking competition.

Any bands in the swingfest lineup that you are curious about to see live?
I’m looking forward to seeing the Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, Switchblade and Celeste, and finally meeting Blueneck & Iroha. We’ve been looking forward to playing with them for a long time. It’ll also be great to share a stage with Kodiak again.

And finally, how long do we have to wait to hear your new record?
Fowl is out September 27 on Denovali Records. Thanks a lot for your time.

Thank you, too.

Die Heirs sind, neben ihrem Festivalauftritt beim Denovali Swingfest, im Oktober und November auch auf Clubtour unterwegs. Die genauen Daten findet ihr in unserer ONTHEROAD Rubrik.

Wer sich vom Sound der Band nochmal selbst überzeugen möchte, kann sich das Debütalbum "Alchera" über Denovali Records und das von der Band bereitgestellte Demo hier runterladen. Die erste Single vom neuen Album "Fowl" namens "Burrow" könnt ihr euch exklusiv bei Mess+Noise anhören.

Schwerfällige, verzerrte Gitarren, dezente Elektronik, langsame Drumbeats und melodischer, zurückhaltender Gesang,
so klingen Iroha aus Birmingham, bestehend aus Andy Swan, Diarmuid Dalton und Dominic Crane. Wer bei der Beschreibung und bei den Namen der Bandmitglieder an J.K. Broadricks Jesu denkt, liegt dabei gar nicht mal falsch. Dalton ist auf mehreren Releases von Jesu an den Basssaiten zu hören. Andy Swan dagegen hat bereits in den Achtzigern zusammen mit Broadrick das minimalistisch experimentelle Projekt Final gegründet, das seither besteht. Iroha stammen genau wie Jesu und Final aus Englands zweitgrößter Stadt Birmingham, die, vergleichbar mit dem Ruhrgebiet, für ihre Metallbearbeitungsindustrie bekannt ist. Das spiegelt sich auch im walzenden, rauhen, industriellen Sound von Iroha wieder. Der ruhige Gesang, der ganz im Gegensatz zum Sound steht, gibt der Musik dagegen eine positive und unverkennbare Note.

Mit “Bittersweet” haben Iroha ihre erste Split mit Fragment aus Frankreich bei Denovali Records veröffentlicht. Die beiden stilistisch ähnlich klingenden Künstler steuern jeweils zwei Songs und den gemeinsamen Titeltrack bei. Das Debütalbum von Iroha lässt dagegen noch auf sich warten. Das von J.K. Broadrick gemasterte Album erscheint über Invada Records und kommt mit zusätzlichen Remixen von Bands wie Jesu und Transitional. Doch das ist nicht die einzige geplante Veröffentlichung von Iroha. Über Denovali Records wird die EP “On The Passage Of A Few People Through A Rather Brief Period Of Time” veröffentlicht, auf der Iroha einige Cover zum besten geben, und eine weitere EP namens “End Of An Era” ist auch bereits fertig abgemischt und wartet auf ihre Veröffentlichung. Man darf gespannt sein.

Irohas Auftritt beim diesjährigen Denovali Swingfest ist die bisher einzige Möglichkeit in Deutschland, die Band live zu sehen.